L’Incanto dell’Astrazione: Esplorare il Sogno attraverso l’Arte. L’arte possiede il potere di oltrepassare la realtà visibile, trasportando lo spettatore in spazi emotivi, psicologici e persino spirituali che vanno ben oltre il linguaggio quotidiano. Una delle sue qualità più affascinanti è l’abilità di trasformare i sogni – quelle immagini evanescenti e surreali che spesso sfidano la logica – in un linguaggio visivo ricco e suggestivo. Contrariamente all’arte figurativa, che si concentra sulla riproduzione del noto e del tangibile, queste opere come trattengono le porte a un mondo senza limiti, dove ogni interpretazione personale è possibile. In esse, linee, colori e texture si intrecciano per rivelare il mistero e la fluidità dell’inconscio, offrendo all’osservatore un’esperienza immersiva e profondamente evocativa. Tra Visione e Realtà: L’Onirico nell’Espressione Astratta L’arte astratta ispirata ai sogni si presenta come una finestra aperta su un mondo dove le logiche della realtà quotidiana vengono sovvertite. I sogni, per loro natura, esistono in uno stato di continua metamorfosi, in cui tempo, spazio e identità si trasformano in forme inaspettate e prive di regole fisse. È in questo contesto che l’arte astratta raggiunge la sua massima espressione, abbandonando le convenzioni della rappresentazione realistica per immergersi nella libertà visiva dell’immaginazione onirica. .In queste opere, la mancanza di forme immediatamente riconoscibili stimola lo spettatore a lasciarsi guidare dalle proprie sensazioni ed emozioni, anziché cercare un significato letterale. I colori, ad esempio, assumono ruoli narrativi vitali: tonalità delicate possono evocare serenità e pace, mentre accostamenti più intensi e spigolosi introducono note di inquietudine e disorientamento. Le linee e le forme sembrano dissolversi e riconfigurarsi, richiamando la natura frammentata e non lineare delle visioni notturne.Così, anziché offrire un’immagine statica e definita, questi dipinti celebrano l’ambiguità e la complessità del subconscio, trasformando ogni opera in un invito personale ad esplorare le profondità dell’animo. In definitiva, l’arte astratta che si ispira ai sogni non si limita a riprodurre un’illusione, ma diventa un’esperienza immersiva che sfida l’osservatore a riconnettersi con la propria interiorità
Nel suo dipinto “Selfie”, Mauro Molinari offre una riflessione acuta e raffinata sull’identità contemporanea e sulla percezione del sé. L’opera, richiama il gesto immediato dell’autoritratto digitale, si trasforma in una finestra aperta sulla profondità umana, ben oltre la superficie effimera dell’immagine.
Attraverso la sua magistrale tecnica in mixed media, l’artista intreccia segni grafici e cromatismi vibranti, creando una dimensione in cui la figura si stratifica tra realtà e rappresentazione. Ogni pennellata sembra scavare non solo nei tratti somatici, ma anche nelle emozioni, nei dubbi e nelle contraddizioni dell’individuo. Il tratto, deciso e dinamico, catturapregi e difetti, gesti e posture, restituendo la complessità dell’animo umano con una sensibilità quasi antropologica.
Da sempre attento all’osservazione del quotidiano, Molinari trasforma i volti delle persone che incontra in frammenti di una narrazione universale, in cui ogni espressione diventa lo specchio di una società in continua evoluzione. In “Selfie”, la modernità del tema si fonde con la profondità del segno pittorico, trovando un perfetto equilibrio tra ironia e introspezione.
L’opera si configura come un ritratto stilizzato e astratto, in cui la frammentazione della figura umana riflette la complessità dell’identità odierna. Colori vibranti e linee decise creano un contrasto dinamico, mentre la sovrapposizione di forme geometriche suggerisce movimento ed evoluzione. L’espressione intensa del volto invita l’osservatore a un viaggio interiore, tra realtà e rappresentazione, tra autenticità e costruzione.
Non è solo un semplice ritratto, ma una vera e propria messa in scena dell’Io, una maschera che oscilla tra spontaneità e artificio, tra verità e apparenza. Mauro Molinari ci interroga con un linguaggio visivo potente e incisivo, costringendoci a riflettere su cosa significhi davvero vedersi e, soprattutto, riconoscersi.
L’opera di Roberto Persi Santorum, Poseidone (olio su tela, 100×100 cm), è un esempio vibrante di arte patafisica contemporanea, in cui il mondo dell’assurdo si intreccia con una potente simbologia. Esposto durante la mostra “Les Enfants Terribles,” il dipinto cattura immediatamente lo spettatore grazie alla sua esplosione di colori e movimento, che evocano emozioni intense e profonde riflessioni.
Il protagonista, il Dio Poseidone, è raffigurato in una lotta quasi epica contro onde maestose dai toni surreali di lillà e rosa. Questi colori, lontani dalla tradizionale rappresentazione marina, donano all’opera un’aura onirica e fantastica, trasportandoci in un universo dove la realtà si dissolve per lasciare spazio a una visione poetica e simbolica. La forza del Dio, che brandisce il tridente con determinazione, non è solo fisica: è la rappresentazione dello spirito creativo dell’artista stesso, in lotta contro le superficialità e la negatività che pervadono il mondo.
La patafisica, il filo conduttore del lavoro di Persi Santorum, emerge chiaramente nell’approccio all’assurdo e nel ribaltamento della logica convenzionale. In quest’opera, il mare non è semplicemente un elemento naturale: diventa una metafora delle forze caotiche e imprevedibili della vita. Poseidone, dunque, non è soltanto una figura mitologica, ma un simbolo universale: l’artista stesso, impegnato a domare e trasformare la complessità del reale in bellezza e armonia.
Un altro elemento centrale del dipinto è il profondo rispetto per l’ambiente. Le onde, dipinte con una fluidità quasi musicale, non sono solo uno sfondo, ma rappresentano la natura stessa, viva e potente, che Persi Santorum celebra e difende. Attraverso questa scelta, l’artista invita il pubblico a riflettere sull’importanza di una connessione autentica con il mondo naturale, opponendosi alla distruzione e all’indifferenza.
In definitiva, Poseidone è un’opera che stupisce ed emoziona, riuscendo a coniugare la bellezza visiva con una narrazione simbolica ricca di significati. Con un linguaggio visivo audace e distintivo, Roberto Persi Santorum si conferma come un maestro patafisico capace di sfidare le convenzioni e coinvolgere lo spettatore in un viaggio di scoperta artistica e spirituale.
Roberto Persi Santorum ha trascorso i suoi anni giovanili in una libera e instancabile ricerca di tecniche grafiche e pittoriche. La sua sperimentazione ha spaziato attraverso una vasta gamma di stili e contenuti, con una spiccata propensione verso le molteplici forme dell’astrattismo. Questo percorso esplorativo, probabilmente, rappresentava un tentativo di liberarsi dal “fardello accademico” degli studi classici, che includevano l’Istituto d’Arte, il Magistero di Grafica e l’Accademia di Belle Arti.
La vera svolta nella carriera di Persi Santorum è stata l’incontro con la Patafisica, abbracciata come una filosofia profonda e rivoluzionaria. Questo approccio gli ha permesso di accettare il suo stile pittorico e sintattico come una firma autentica dell’anima, piuttosto che come una deviazione patologica. La Patafisica è diventata per lui un rifugio concettuale, dove le sue creazioni trovano significato e libertà.
Negli ultimi vent’anni, il suo lavoro si è sviluppato seguendo un unico dogma imprescindibile: l’uso di supporti in tela e colori ad olio o alchidici, con occasionali incursioni nella grafica su supporti cartacei, utilizzando tecniche varie e spesso combinate. La sua produzione oscilla tra audaci policromie, talvolta improbabili, e monocromi austeri e incisivi, mantenendo sempre una straordinaria coerenza espressiva.
Persi Santorum rifiuta di essere catalogato in una corrente artistica preesistente. Dopo lunghe riflessioni e confronti con l’architetto Claudia Mantelli – che ha avuto un ruolo cruciale nel riscoprirlo e farlo uscire dalla volontaria reclusione nella “soffitta” della sua creatività – è arrivato a un compromesso definendosi “Postsurrealista Onirico”. È in questo spazio mentale che l’artista riesce a dialogare con i suoi punti di riferimento pittorici: Paolo Uccello, Tiziano, Mirò, Magritte, Pollock, Matisse e altri grandi maestri, che popolano la sua personale pinacoteca immaginaria. Non è una questione di stile, ma di pensiero: uno sguardo audace e consapevole che individua, con sicura determinazione, le connessioni profonde tra la propria visione artistica e quella dei suoi predecessori.
Frasi celebri di Roberto Persi Santorum:
“Non tutti i quadri riescono col buco.”
“Non sono pigro, ho solo brevi pause di riflessione.”
In sintesi, Roberto Persi Santorum ritiene di aver trovato un percorso artistico personale e riconoscibile, anche se ammette che spesso non riesce a fornire spiegazioni razionali per le sue opere. Ma questa, in fondo, è la Patafisica: l’arte di accettare e celebrare le soluzioni immaginarie.
Persi Santorum è orgoglioso di essere membro attivo del “Simposio Permanente Ventilati Patafisici Benacensi”, fondato negli anni Novanta dal grande Enrico Baj. Inoltre, esprime profonda gratitudine verso l’architetto Claudia Mantelli, che lo ha spronato a uscire dalla sua prolungata “pausa di riflessione” e lo ha coinvolto in mostre ed eventi artistici. Un pensiero di riconoscenza è infine rivolto al capostipite Alfred Jarry, che con il suo Ubu Roi ha dato inizio alla straordinaria avventura delle “Soluzioni Immaginarie”.
CALL FOR ARTISTS “DREAMS”-Viaggio tra visioni oniriche, astrazioni e universi immaginari. Claudia Mantelli, curatrice e organizzatrice di eventi d’arte contemporanea, invita gli artisti a partecipare alla mostra collettiva DREAMS, che si terrà presso la suggestiva Galleria ARTHEKA32 (ROMA ), dal 26 aprile all’8 maggio 2025, con inaugurazione il 26 aprile. Questa esposizione nasce dal desiderio di celebrare il sogno come motore inesauribile della creazione artistica. Attraverso il linguaggio dell’arte, gli artisti sono chiamati a dare forma alle loro visioni più intime, a quel mondo nascosto che si manifesta nell’inconscio e che spesso sfugge alle regole della logica.
Il sogno come origine dell’arte Il sogno è un luogo senza confini, dove il possibile si intreccia con l’impossibile, e il conosciuto si mescola con l’ignoto. È uno spazio di libertà assoluta, dove le immagini e le emozioni si manifestano in forme fluide, ambigue, a volte inquietanti, altre volte rassicuranti. Nel corso della storia, il sogno è stato un tema ricorrente nell’arte. I surrealisti, con il loro intento di esplorare l’inconscio, hanno reso il mondo onirico il cuore pulsante della loro produzione. Pittori come Salvador Dalí, René Magritte e Max Ernst hanno saputo tradurre la logica sfuggente dei sogni in immagini capaci di evocare emozioni profonde e universali. Ma il sogno non appartiene solo a un movimento o a un’epoca. Ogni artista, in ogni tempo, ha trovato nel sogno una fonte di ispirazione inesauribile. Il sogno è una finestra aperta sull’interiorità umana, un riflesso di ciò che non osiamo dire, di ciò che non riusciamo a comprendere. È un ponte tra il nostro mondo interiore e quello collettivo, un luogo dove i simboli personali incontrano gli archetipi universali. Partecipare a DREAMS significa accettare una sfida: quella di tradurre l’immateriale in materiale, l’invisibile in visibile. Significa creare opere che parlano non solo con le forme e i colori, ma anche con l’anima. Visioni immaginarie, astrazioni e il linguaggio del sogno Il sogno non segue le regole della realtà. Nei sogni, il tempo si dilata o si comprime, gli spazi si moltiplicano, e le figure si trasformano. Questa dimensione sfuggente è una straordinaria opportunità per l’artista, che può abbandonare ogni vincolo e dare forma a mondi nuovi, sorprendenti, spesso irripetibili. Le opere ispirate ai sogni possono essere figurative o astratte, intime o grandiose, misteriose o luminose. Possono evocare atmosfere eteree, come nei cieli di Chagall, o portare alla luce inquietudini profonde, come negli incubi di Goya. Il sogno permette di superare i limiti della rappresentazione tradizionale, aprendo la strada a linguaggi visivi nuovi e personali. Nel contesto di DREAMS, ogni Artista è invitato a esplorare il proprio rapporto con il mondo onirico: Cosa emerge quando ci lasciamo guidare dall’inconscio? Come si traducono le emozioni effimere di un sogno in immagini durature? È possibile raccontare un sogno senza svelarne completamente il mistero? La mostra sarà un viaggio attraverso questi interrogativi, un mosaico di visioni che si intrecciano per creare un’esperienza collettiva unica. Claudia Arch. Mantelli
La Galleria Artheka 32, situata a Roma – Ostia, è un ambiente prestigioso e molto frequentato, con una solida rete di collezionisti e appassionati d’arte. L’evento “Dreams” sarà ampiamente promosso, assicurando agli artisti visibilità e opportunità concrete.
Come organizzazione, sotto la curatela di Claudia Mantelli, architetto e art curator, ci occuperemo personalmente di ogni aspetto espositivo: ✔ Selezione e curatela delle opere per garantire un allestimento armonioso e di qualità ✔ Promozione sui social media e pubblicità dell’EVENTI “Dreams” ✔ Realizzazione del catalogo ufficiale ✔ Allestimento professionale, valorizzando ogni Opera nel miglior modo possibile
Grazie a questa cura nei dettagli, l’evento garantisce agli Artisti un’esperienza professionale e ben curata.
PITTURA – FOTOGRAFIA – VISUAL ART Ogni artista potrà esporre: 🔹 2 opere medie (50×70 cm o 60×40 cm) oppure 🔹 1 opera grande (da 80×80 cm fino a 120×120 cm). Chi desidera esporre più opere o di dimensioni diverse può contattare l’organizzazione per concordare le modalità di partecipazione.
SCULTURA – INSTALLAZIONI – ART DESIGN È previsto uno spazio di circa 100/150 cm x 100/150 cm per una scultura, installazione o opera di design.Altri Scultori e/o Designers concorderanno il n.di Opere e dimensioni con la curatrice.
La Curatrice Claudia Mantelli. Sarà sempre disponibile per supportare la selezione dei lavori, l’aggiunta di nuove opere o eventuali variazioni.
COME ISCRIVERSI ALL’EVENTO “DREAMS” Gli artisti interessati devono iscriversi il prima possibile e comunque entro il raggiungimento del numero massimo di partecipanti.
Per ricevere il PDF con i dettagli dell’evento, inviare 3 opere d’arte e 1 link a claudia.mantelli@yahoo.com. Vi risponderemo con tutte le informazioni necessarie.
Per completare l’iscrizione, inviare: ✅ Una breve biografia artistica ✅ Indirizzo e-mail ✅ Foto delle opere che si intendono esporre (specificando titolo, dimensioni e tecnica) ✅ Link o sito web dell’artista ✅ Modulo d’iscrizione compilato ✅ Ricevuta del pagamento della quota
Evento di Arte contemporanea creato da Claudia Mantelli & DOODLE ART Associazione no profit.
“LES ENFANTS TERRIBLES” -La ribellione creativa dell’ Anima- Evento di Arte contemporanea creato dalla Dott.ssa Claudia Mantelli curatore d’Arte. Alle ore 18:00 di Mercoledì 11 Dicembre 2024 presso lo spazio Arte “Seicentro”, Piazza Enrico Berlinguer in Via Savona n.99-20144 Milano, verrà inaugurato l’ Evento “LES ENFANTS TERRIBLES”, La ribellione creativa dell’ Anima. Mostra di Arte contemporanea. Durante l’ Inaugurazione si terrà un Vernissage con la gentile presenza dell’ Associazione DOODLE ART, del Curatore Claudia Mantelli che presenterà le Opere d’ Arte create appositamente per questo Evento da otto ottimi Artisti, che spiccano nel panorama artistico nazionale e internazionale per qualità, professionalità e genio, Artisti Franca Fabrizio KaiZer Ioannis Kaiserlis Raffaele Miassot Mauro Molinari Ornella Musto Isabella Paglino Roberto Persi Santorum Umberto Pettene
In un panorama artistico sempre più omologato e imbrigliato, emergono figure audaci che sovvertono le convenzioni tradizionali dell’arte. Questi artisti non si limitano a esibirsi all’interno di un sistema escludente; al contrario, rifiutano categoricamente di piegarsi a quelle regole che spesso soffocano la creatività autentica. Attraverso la spontaneità, la provocazione e una libertà senza freni, sanno attrarre il grande pubblico, arrivando dritti al cuore della collettività. La loro arte non è solo un’espressione visiva, ma un potente strumento di comunicazione emotiva. Non dimenticano mai l’aspetto ludico e onirico delle loro opere, che invitano gli spettatori a esplorare i recessi più profondi dell’inconscio. Questi artisti, veri e propri alchimisti creativi, fanno del sogno il loro linguaggio, trasformando le intuizioni più intime in esperienze condivise. Il desiderio di liberarsi dalle catene del conformismo è palpabile; essi coinvolgono il proprio inconscio, trasformando la loro vulnerabilità in forza. In questo modo, riescono a creare un’atmosfera che trascende il mero atto creativo, invitando gli spettatori a riflettere su tematiche esistenziali profonde e sulle dinamiche della società contemporanea. In “Les Enfants Terribles”, i sogni non sono solo mere fantasie, ma veri e propri protagonisti che sfidano la realtà, stimolano il dibattito e spingono a un riesame critico del mondo che ci circonda. Questa mostra è un invito a tutti noi a riscoprire il valore liberatorio dell’arte e a lasciarci trasportare in un viaggio unico attraverso le meraviglie dell’immaginazione e della creatività. Claudia Mantelli Art Curator.
“SEDUCTIONS” -Viaggio nell’ abisso dell’ esperienza umana – Evento di Arte contemporanea creato dalla Dott.ssa Claudia Mantelli curatore d’Arte. Alle ore 18:30 di Giovedì 13 Giugno 2024 presso lo spazio Arte “Ex Fornace Gola”, Alzaia Naviglio Pavese 16, 20143 Milano,
l’ Evento “SEDUCTIONS”, Viaggio nell’ abisso dell’ esperienza umana, Mostra di Arte contemporanea. Durante l’ Inaugurazione si terrà un Vernissage con la gentile presenza dell’ Associazione DOODLE ART, del Curatore Claudia Mantelli che presenterà le Opere d’ Arte create appositamente per questo Evento da undici ottimi Artisti, che spiccano nel panorama artistico nazionale e internazionale per qualità, professionalità e genio, Guest Artist: “Cesare Catania” Anna Rita Aprile Daria Covolo Francesca Fei Mauro Molinari Michel Morelli Isabella Paglino Albino Pitti Roberto Persi Santorum Matt Tewes The Metaborg
Nel mondo dell’arte, ciò che ci seduce non è solo la forma esteriore delle opere, ma anche la profondità e la complessità delle emozioni e dei significati che esse evocano. Come Narciso, ci troviamo attratti dall’immagine esterna, ma è quando penetriamo più a fondo, oltre la superficie, che ci rendiamo conto della vera ricchezza dell’opera. La storia di Narciso ci insegna che l’auto-amore e l’ossessione per l’apparenza possono distorcere la nostra percezione, rendendoci ciechi alla bellezza interiore. Tuttavia, attraverso l’arte, abbiamo l’opportunità di guardare al di là della superficie e di scoprire la bellezza e la verità che risiedono dentro di noi e nelle opere d’Arte che ci seducono. Perciò, mentre ci lasciamo affascinare dalle forme e dalle estetiche delle opere d’arte, ricordiamo che la vera seduzione risiede nella capacità di queste opere di toccare le corde più profonde del nostro essere, risvegliando emozioni, stimolando pensieri e nutrendo l’anima con la bellezza interiore che trasmettono. Durante il nostro viaggio nell’evento “Seduzioni”, ci immergiamo in un mondo di bellezza e mistero, dove l’arte diventa uno specchio delle nostre anime e delle nostre esperienze umane. È un viaggio che ci porta ad esplorare le profondità dell’esistenza e a riscoprire i segni familiari che giacciono dentro di noi. Marcel Duchamp una volta disse: “Se un’opera ci attrae a sé, anche se non propone situazioni particolarmente riconoscibili, vuol dire che c’è un’abitudine, nascosta ma presente”. Queste parole risuonano dentro di me, poiché rivelano una verità profonda sull’arte e sulla nostra relazione con essa. Quando ci troviamo di fronte a un’opera d’arte che ci affascina, non è solo la forma esteriore che ci colpisce, ma anche la familiarità dei suoi segni e delle sue forme. Anche se non possiamo trovare un parallelo immediato con il nostro mondo sensibile, c’è qualcosa in quei colori e in quelle forme che ci richiama, che ci fa sentire a casa. Ecco perché le forme e i colori dell’arte ci sorprendono sempre, anche quando sembrano estranei alla nostra esperienza quotidiana. È come se ci stessero aspettando, silenziosamente, pronti a riemergere nel momento giusto e a trovare un nuovo significato nelle nostre vite. Quando ci confrontiamo con un’opera d’arte, entriamo in un dialogo con la nostra anima, un dialogo che ci permette di riscoprire i segni familiari che giacciono dormienti dentro di noi. È un’esperienza che va oltre la semplice osservazione estetica; è un momento di connessione profonda con noi stessi e con il mondo che ci circonda. E così, mentre ci lasciamo sedurre dalle meraviglie dell’arte durante l’evento “Seduzioni”, ricordiamoci che siamo in realtà in un viaggio verso la nostra stessa anima, un viaggio che ci permette di incontrare nuovamente i segni conosciuti e di riscoprire le forme sopite che abbiamo dentro di noi. Claudia Mantelli.
Le sculture di Matt Tewes, intitolate “Adage: Galleggiare e Respirare nella Musica della Vita”, offrono un’affascinante fusione di grazia, movimento e vitalità. Queste opere, alte 35 cm, rappresentano danzatrici filiformi e variopinte che sembrano fluttuare nell’aria, immerse in un mondo di musica e ritmo. Tewes riesce a catturare l’essenza del movimento e della danza con una precisione che ricorda l’opera di Giacometti. Come le figure allungate e sottili di Giacometti, le danzatrici di Tewes possiedono una leggerezza e una fragilità che le rendono quasi eteree.
Tuttavia, è la loro colorazione vivace e la sensazione di movimento continuo che le distingue, aggiungendo un elemento di gioia e vitalità.Queste sculture sembrano respirare e galleggiare al ritmo della musica, come se fossero intrappolate in un eterno momento di danza. Ogni figura è un’ode alla libertà e alla bellezza del movimento umano. Le linee sottili e le posture dinamiche delle danzatrici trasmettono una sensazione di leggerezza e fluidità, invitando lo spettatore a perdersi nella loro armonia. L’uso del colore da parte di Tewes è particolarmente notevole. Le tinte variopinte delle sculture non solo catturano l’occhio, ma anche l’immaginazione, suggerendo una sinfonia visiva che accompagna la danza delle figure. Questo uso del colore contrasta splendidamente con la semplicità delle forme, creando un equilibrio perfetto tra complessità visiva e purezza formale. “Adage: Galleggiare e Respirare nella Musica della Vita” non è solo una serie di sculture, ma un invito a celebrare la vita e il movimento. Le opere di Matt Tewes ci ricordano l’importanza di trovare bellezza e gioia nei momenti di quotidianità, di danzare attraverso le sfide e di respirare al ritmo della nostra esistenza.
In conclusione, le sculture di Matt Tewes offrono un’esperienza visiva ed emotiva straordinaria. Con una maestria che unisce eleganza e vivacità, Tewes ci regala una visione poetica della danza e della vita, rendendo “Adage: Galleggiare e Respirare nella Musica della Vita” una collezione imperdibile per gli amanti dell’arte.
Claudia Mantelli.
Sculture in gesso, cartapesta colorate con acrilici. Prezzo € 280.
claudiamantelliartcurator.com 